También lo interpretamos los días 7 y 8 de julio, dentro del Festival Clásicos en verano, organizado por la Comunidad de Madrid, así como en el Festival de Música Antigua de Lorquí, o en el Festival de Patrimonio Histórico y Música Antigua de Llíria

El programa se llama Tradición e iluminismo: la obra coral del Padre Soler.

El Coro de Cámara de Madrid lo interpretó acompañado por la Camerata COCMA, ambos dirigidos por Francisco Ruiz Montes.

Notas al programa:

El Padre Antonio Soler (1729-1783), monje jerónimo en el Real Monasterio de San Lorenzo del Escorial, es uno de los músicos españoles más importantes del siglo XVIII. Goza asimismo de una fama que, siendo ya reconocida durante su vida, crece ahora cada vez más a nivel universal. Este reconocimiento le viene dado fundamentalmente por sus sonatas para clave, con mucha frecuencia a la misma altura de las de Domenico Scarlatti, de quien se considera discípulo.
Soler, sin embargo, es también uno de los músicos más completos de toda la historia de la música en España, algo que no se ha puesto todavía de relieve.
Además de ser un gran intérprete y compositor de música para clave y órgano, compuso excelente música de cámara e innumerables obras vocales, religiosas y profanas, para la comunidad del Escorial y para el Colegio y Seminario que había dentro del Monasterio. Las primeras comprenden obras para el Oficio y la Misa, Villancicos, Autos sacramentales, motetes… Las obras no religiosas incluyen música para el teatro: Sainetes, Entremeses, Bailes, Bailetes, Loas… Comedias de Capa y espada…
Pero Soler destacó asimismo en otros campos del complejo mundo de la música.
Fue Teórico ( Llave de la modulación y antigüedades de la Música, 1762), Historiador (según le escribió al famoso Martini de Bolonia, tenía escrita una historia de la Música que no conservamos), Constructor e inventor de instrumentos ( inventó un instrumento que nos ha transmitido con todas las fórmulas matemáticas, Theórica y práctica del temple para los órganos y claves), Economista (Combinación de Monedas y Cálculo manifiesto…, 1771) y, desde luego, gran conocedor de la construcción de los órganos, tal como nos consta en numerosos documentos.
El hecho de que viviera en un Monasterio Real, con la presencia de la Corte durante el otoño, propició que Soler compusiera en los tres estilos clásicos: eclesiástico (monjes), de cámara (la Corte, especialmente para el Infante don Gabriel de Borbón, hijo de Carlos III) y teatral (Colegio y Seminario, a imitación del teatro que se hacía en las Universidades).
Su música instrumental -ya se ha dicho- es universalmente conocida. Nos queda mucho por conocer de su música vocal, sea religiosa o profana. Tal conocimiento nos hará valorar la enorme aportación de este gran músico, aún muy poco conocido en esta faceta de su composición, y sobre todo nos ayudará a comprender la enorme variedad de su actividad y personalidad, lo que equivale a conocer más y mejor la música española. De ahí la enorme importancia de programar su música.
José Sierra Pérez,
Catedrático de Paleografía Musical del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Propuesta musical:

• Musica Sacra
  • Visperas comunes
  –  Dixit Dominus
  –  Magnificat
  –  Laudate pueri
  • Domine Jesu Christe
  • O vos omnes
  • Confitebor tibi
  • Peccantem me quotidie
  • Doleo super te
  • Venite, comedite
• Villancicos
  • Cazadores
• Música escénica
  • En el peligro el remedio (Auto sacramental)
  –  Entremés
  • El primero y segundo Isaac (Auto sacramental)
  –  Loa: Introducción—Baile-coplas

Plantilla musical:
Grupo Instrumental de cámara
–  Violín 1º
– Violín 2º
– Violonchelo
– Órgano
Coro de Cámara de Madrid
Directores:
– Francisco Ruiz Montes
– Kanke García Serrano

Actualmente, para el Festival Medinaceli Música Antigua (MMA), del que somos organizadores, el Coro de Cámara de Madrid está preparando un repertorio centrado en el Cancionero de Medinaceli y en el compositor Josquin des Prés, del que se cumple el 500 aniversario de su muerte.

Este repertorio también lo interpretó el nuestro coro, junto con el grupo de ministriles La Danserye, en el Real Monasterio de San Jerónimo de Yuste, dentro del ciclo de conciertos MÚSICA EN YUSTE de Patrimonio Nacional, así como en la Fundación Carlos de Amberes, dentro del III Festival ‘Renacen’

PROGRAMA

Obras de (o atribuidas a) Josquin des Prés

In te Domine speravi
Ave Maria
Mille regretz
Kyrie de la misa «Mille regretz» (C. de Morales)
Deploration sur la mort de Jean Ockeghem
Scaramella va alla guerra

Música profana del cancionero de Medinaceli

Francisco Guerrero (Selección de canciones a 3 y 4 voces):

Dexó la venda, el arco y el aljava
Tu dorado cabello
Fresco y claro arroyuelo
Esclarecida Juana
Prado verde y florido

Pedro Guerrero:
Oh, más dura que mármol a mis quejas

Ortega:
Pues que me tienes, Miguel

Anónimo:
Corten espadas afiladas

El próximo día 17 de diciembre, a las 19 horas, interpretaremos un concierto de piezas navideñas del Renacimiento en la iglesia-convento de las MM Mercedarias Descalzas de la Purísima Concepción (calle Luis de Góngora, 5), más conocida como ‘Las Góngoras‘. La entrada son 10€, y se pueden reservar en aeternamusica.madrid@gmail.com.

El mismo concierto se podrá disfrutar el día siguiente, 18 de diciembre, a las 18 horas, en la hermosa localidad salmantina de Alba de Tormes, en el Monasterio de la Anunciación de Nuestra Señora del Carmen, Sepulcro de Santa Teresa de Jesús, encuadrado en los actos que conmemoran el I Centenario de Santa Teresa de Jesús como Doctora Honoris Causa por la Universidad de Salamanca.

Notas al programa:
En el programa de este concierto se propone un conjunto de obras que fueron publicadas en torno a la segunda mitad del siglo XVI. No obstante, el arco temporal que corresponde a la creación de estas piezas es aún mayor, pues los dos villancicos propuestos del Cancionero de Upsala (Dadme Albriçias y Un niño nos es nasçido) y la ensalada de Mateo Flecha (La Negrina) se compusieron mucho antes de ser editadas. Por tanto, se ofrece una muestra bastante representativa de la música del siglo XVI dedicada a la Navidad.
Si bien son obras muy diversas, podemos señalar algunos puntos de unión entre ellas. Por ejemplo, todas fueron editadas, algo que comenzará a ser cada vez más frecuente, pero que hasta este momento se considera una excepción. La primera conclusión que podemos sacar de ello es que se trata de obras altamente apreciadas, tanto por el posible oyente de aquella época como por el compositor o el editor que deciden publicarlo. Por tanto, seguramente se trata de obras que eran conocidas y admiradas, obras que se consideraban con la suficiente entidad como para merecer una cierta transcendencia.
De la misma manera, son todas piezas surgidas de la cosmovisión católica, en una época cargada de turbulencias religiosas, que desembocará en la Reforma Protestante, y la posterior Contrarreforma. Las luchas internas entre cristianos influirán sobremanera en la música. Ambas facciones intentarán abanderar sus ideas y reforzar sus tesis a través del arte sonoro. Es por ello que la teología católica en torno al Nacimiento de Jesús, como Dios hecho hombre en el seno de María, una joven que se quedará embarazada por mediación del Espíritu Santo, y que sigue siendo virgen después de haber concebido, chocará frontalmente con las nuevas tesis de Lutero, y se convertirá, por tanto, en uno de los temas principales a resaltar por el Vaticano y sus seguidores.
Además de influir sobre los hechos a poner en música, las ideas religiosas se van a notar en más aspectos importantes. Los protestantes van a postular la necesidad de hacer que la música sea más accesible al pueblo, potenciando el uso de la música profana en el seno de sus templos, apostando en ellos por la lengua vernácula de los fieles y procurando que las piezas sean menos complejas a nivel compositivo e interpretativo, mientras que los católicos, al menos en teoría, van a rechazar el uso de la música profana en el ámbito religioso, van a seguir cultivando los textos en latín y van a confiar la música de sus iglesias a agrupaciones profesionales para ejecutarla, por lo que resulta más compleja en su entramado.
No obstante, estamos en la época del humanismo, por lo que, además de la profundidad y el espiritualismo, y aún en los ámbitos más puristas y piadosos, las composiciones religiosas no van a poder evitar contaminarse del nuevo antropocentrismo imperante, así como de los nuevos estilos y lenguajes musicales surgidos en la esfera de lo profano (tales como el madrigalismo), además de buscar el realismo y la humanidad de los personajes divinos, para acercarlos al sentir del pueblo.
Teniendo en cuenta todos estos condicionantes, nuestra propuesta presenta:
– Dos villancicos del Cancionero de Upsala, vinculados con la música cortesana de la capilla musical del Duque de Calabria. En el siglo XVI el villancico no es sinónimo de pieza navideña. Puede ser de temática religiosa (cómo en el caso de las dos piezas del programa) o profana. Su denominación hace referencia más bien al hecho de que se trata de música en castellano, con una estructura concreta en estrofas, coplas y estribillo, y con cierta inspiración en la música popular del momento, aunque sean
composiciones pensadas para el entretenimiento de los ambientes cultos palaciegos. Se trata pues de piezas sencillas, con cierta tendencia a la homofonía, o al contrapunto ligero, y con ritmos y melodías pegadizas.
– Cuatro motetes en latín de distintos autores: O magnum mysterium (1540) de Cristóbal de Morales, Videntes stellam (1562) de Orlando di Lasso, O magnum mysterium (1572) de Tomás Luis de Victoria y Hodie Christus (1585) de Luca Marenzio. El motete es la forma religiosa principal de la música europea compuesta en el ámbito del catolicismo. Podemos hablar de un cierto estilo internacional, que cada autor, en cada uno de sus ámbitos concretos, personaliza después. Estas composiciones suelen interpretarse en ceremonias litúrgicas, y sus textos son siempre en latín. Por tanto, son piezas más elaboradas técnicamente, y de más difícil interpretación. La Contrarreforma va a preocuparse especialmente de que los textos musicados se comprendan a la perfección. Ofrecemos cuatro muestras exquisitas, de cuatro autores excepcionales, con cuatro obras compuestas para las fiestas navideñas. En las cuatro piezas se da un minucioso trabajo en el que los compositores, tal y como se hacia en los madrigales, busca pintar o representar con los sonidos el significado literal de las palabras.
– La misa O Magnum Mysterium, de Tomás Luis de Victoria, editada en Venecia en 1592. Se trata de una misa parodia, lo que significa que el material musical que utiliza procede de una obra preexistente (en este caso, del motete homónimo del propio compositor abulense), que hemos citado anteriormente. Gracias a los nuevos valores culturales y a la aparición de la imprenta, entre otros factores, la música, cuya vida era bastante efímera hasta este momento, comienza a desarrollar la necesidad de una nueva transcendencia. Los compositores estaban obligados a realizar muchas obras pensadas para un evento concreto, quedando posteriormente relegadas al archivo. Por eso, en determinadas situaciones, era inevitable no recurrir a la música ya compuesta con anterioridad, bien por cuestiones prácticas, o bien por reutilizar algo de lo que se estaba orgulloso.
– La ensalada La Negrina, de Mateo Flecha el Viejo, editada por su sobrino, Mateo Flecha el Joven, en Praga, en 1581. Las ensaladas son piezas musicales que nacen del principio de la mezcla, de ahí su denominación. En ellas se dan distintos idiomas, estilos, ritmos, estructuras y técnicas compositivas. Así mismo puede mezclar piezas propias o ajenas, y fragmentos nuevos con parodias de obras anteriores, de manera que el resultado final tiene la coherencia de una nueva historia, que suele girar en torno a la eterna batalla entre el bien y el mal, siendo el Nacimiento de Cristo el acontecimiento salvador definitivo. Parece ser que Mateo Flecha fue su inventor, y que gozaron de mucha fama en los ambientes palaciegos en los que se movió el músico, hasta el punto de ser editadas por su sobrino mucho después de que fueran compuestas, salvándose así del olvido, al tratarse, dicha edición, de la única fuente conocida hasta el momento de estas piezas.
(Notas de Víctor Manuel Guarnido Franquelo).

Comentario en «El Mirador de Madrid»

Monasterio de la Anunciación, Alba de Tormes

PROGRAMA

—–Gasajémonos de hucía (J. Enzina)
…en la naturaleza
—–Entre dos mansos (Mateo Romero)
—–Fresca ribera (Anónimo)
—–Prado verde y florido (F. Guerrero)
…ved a esos caballeros
—–Caballero, si a Francia ides Anónimo)
—–Dezidle al caballero (N. Gombert)
—–Qu ́es de ti, desconsolado (J. Enzina)
… y ahora cautivo soy
—–O, más dura que el mármol a mis quexas (P. Guerrero)
—–Mi libertad en sosiego (J. Enzina)
—–Tu dorado cabello (F. Guerrero)
..por celos, picardías y habladurías
—–De tu vista celoso (Anónimo)
—–Dexó la venda, el arco y el aljaba (F. Guerrero)
—–Corten espadas afiladas (Anónimo)

PROGRAMA

Cristóbal de Morales (ca.1500-1553)

Motetes

Dominus meuste Deus meus 

Circumdederunt me 

Emendemus in melius

Nun vigilavit Iugum

Missa pro defunctis 

Introito

Kyrie

Graduale

Offertorium

Sanctus

Benedictus

Communio

Peccantem me quotidie

NOTAS AL PROGRAMA

Si durante el siglo XVIII alguien hubiera mencionado a Bach, sin más, nadie hubiera pensado en el viejo y caduco Juan Sebastián, el anciano organista de Leipzig, apto para probar y templar los órganos recién construidos, y poco más. Su música, cargada de un complejo contrapunto, se consideraba, en el mejor de los casos, algo ya caduco y trasnochado.

Curiosamente, de esta visión oscura, ajena a la grandeza del gran maestro alemán, al endiosamiento actual, que lo coloca en el lugar más alto de la cúspide musical, los especialistas han ido tejiendo un complejo camino de estudio y recuperación que, aunque parezca mentira, aún dista mucho de haberse terminado.

Nos parece que para comprender bien la enorme figura de Bach también hay que conocer bien sus antecedentes, aquellas circunstancias y compositores que, después de un largo período de silencio o de falta de originalidad durante la edad media y el renacimiento, hicieron, de repente, de los estados alemanes y austríacos, la patria de la música durante el período barroco.

Por eso hemos preparado un concierto con autores y obras del primer y del segundo barroco alemán, prestando especial atención al motete coral, con el fin de trazar una línea historiográfica que nos permita conocer algunos de los universos sonoros que influyeron directamente sobre el Kantor de Leipzig. En nuestra cuidada selección hemos optado por un repertorio poco interpretado en España, con el fin de subrayar la vocación que mueve al COCMA de aportar, con nuestro trabajo, nuevas vías de comprensión en torno a la música antigua.

Lutero, y su nueva comprensión religiosa del mundo, harán posible que aparezcan nuevos caminos musicales. Católicos y protestantes echarán mano de la música para reforzar sus ideas, subrayar sus diferencias y proponer un camino hacia Dios más idóneo que el de sus rivales. En el caso de la música luterana eso va a significar un auge especial de la producción coral, un enriquecimiento cultural por lo que supone el uso de la lengua vernácula en la liturgia, y una especial fijación por colocar en el centro de la vida religiosa la Palabra de Dios por encima del sacramento de la Eucaristía, sacramento del que van a renegar los protestantes.

No obstante, y a pesar de su deseo de renovación, el barroco religioso de la reforma asimiló el uso de las antiguas técnicas contrapuntísticas y polifónicas, así como la refinada costumbre madrigalística de dibujar, a través del sonido, el significado de las palabras, llenando los corales de figuras retóricas.

El motete Du bist aller Dinge schön a 5 voces de Melchior Franck es nuestro punto de partida, una obra que refleja con claridad la transición del renacimiento al barroco. A pesar del trabajo contrapuntístico desarrollado, jugando imitativamente con unas cuantas ideas musicales de gran brillantez, se produce una simplificación a favor de la inteligibilidad del texto, que ya deja bien clara la nueva concepción armónica tonal que impera en el nuevo lenguaje musical, y la puesta en juego de nuevos recursos como la progresión armónica.

Los dos motetes a 5 voces propuestos de Johann Hermann Schein son diametralmente opuestos en cuanto a su construcción, predominando la homofonía en el primero y el contrapunto en el segundo, desvelando a su autor como un consumado maestro, que es capaz de conseguir la misma altura expresiva tanto en un caso como en el otro. No en vano fue un compositor clave en la asimilación de las innovaciones italianas en la música alemana.

Heinrich Schütz se considera uno de los compositores alemanes más sobresalientes anteriores a Bach.

Al igual que sucederá con la figura de Haëndel décadas más tarde, podemos considerar que su éxito se debe, a partes iguales, a su espíritu aglutinador y a su genio creativo, pues además de poseer una sensibilidad exquisita y una imaginación musical fuera de lo común, Schütz supo asimilar el lenguaje y las innovaciones de autores tan grandes como Giovanni Gabrieli, o el propio Monteverdi, con los que trabajó y se formó directamente en la ciudad de Venecia.

La muestra no estaría completa sin la inclusión de Dietrich Buxtehude, eslabón directo entre los maestros anteriormente citados y el propio Johann Sebastian Bach, del cual se dice que recorrió a pie más de 300 kilómetros para conocerlo. Su Missa brevis a 5 voces evidencia que, en el contexto luterano, su música sacra llegó a alcanzar la misma altura polifónica que la música sacra católica del siglo XVI.

Culminaremos con dos motetes excepcionales de Bach, piezas en las que se recogen todas sus características estilísticas. Además de usar la homofonía, todas las técnicas contrapuntísticas de la polifonía, el bajo continuo propio del barroco, con su bajo cifrado, y la policoralidad heredada de la escuela veneciana, el color es ya netamente tonal y el trabajo melódico y rítmico, así como la forma de generar y de combinar las ideas musicales, son de una profundidad abrumadora.

En definitiva, el recorrido propuesto nos permitirá recordar al gran Johann Sebastian Bach, pero en el contexto de los estilos del primer y segundo barrocos que le precedieron. Un camino que nos permite conocer, por igual, la singularidad de los compositores seleccionados, así como su permanencia y su fundamental influencia en la obra del insigne Kantor de Leipzig.

Víctor Manuel Guarnido Franquelo

PROGRAMA

Melchior Franck (ca.1579-1639)
Du bist aller Dinge schön, motete a 5.

Johann Hermann Schein (1586-1630)
Ich freue mich in Herren, motete a 5. I
Ich lasse dich nicht, motete a 5.

Heinrich Schütz (1585-1672)
So fahr ich hin zu Jesu Christ, motete a 5.
Spes mea, Christe Deus, motete a 4.
Selig sind die Toten, motete a 6. S

Dietricht Buxtehude (1637-1707)
Missa brevis a 5: Kyrie y Gloria

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Ich lasse dich nicht BWV Ahn.159, motete a 8
Lobet den Herrn, alle Heiden BWV 230, motete a 4

El programa está integrado por tres obras de Claudio Monteverdi, compositor a caballo entre dos estilos musicales; varias piezas de compositores renacentistas españoles, como Juan de Anchieta, Pedro de Escobar, Cristóbal de Morales, Pedro Guerrero y Francisco Guerrero. Además, se incluyen obras de reciente creación de compositores españoles como Valentín Ruiz-Aznar y Juan-Alfonso García, que homenajean al género madrigalesco, y dos obras de nuestro director Francisco Ruiz Montes.

La admiración hacia Monteverdi y Johann Sebastian Bach, los villancicos que están en la raíz de nuestra tradición y la apuesta por autores que, siendo de primera calidad, suelen ser muy poco interpretados, configuran nuestra propuesta musical de este año para celebrar con todos vosotros los valores más auténticos de la Navidad.

Adquiere gran protagonismo la obra de algunos de los compositores más representativos de la escuela francoflamenca, dado que en aquellos primeros años del quinientos dichos músicos consiguieron establecer en las diversas cortes europeas lo que algunos estudiosos ven como un estilo común internacional en la polifonía vocal. Esta influencia alcanzaba por supuesto a España, donde ya algunos músicos flamencos trabajaban para los Reyes Católicos, y a donde llegaron otros acompañando al futuro emperador. Se unen, pues, en las páginas que aquí presentamos, los rasgos locales y el estilo internacional, razón por la que prestamos atención a obras menos conocidas, a estilos algo más periféricos (como el inglés) o a manifestaciones muy importantes para la evolución posterior de algunos géneros (como el madrigal o el villancico).

Detallamos a continuación, a modo de panorámica de aquellas músicas que Carlos traía de Flandes, o que pudo escuchar a lo largo de sus viajes o a su llegada a España, sin olvidar la que se cuenta que era su pieza favorita, “la canción del emperador”: Mille regretz, de Josquin Desprez.

I. La música en Castilla a fines del siglo XV

Anónimo (Cancionero de Palacio)

Ave virgo, gratia plena, a 4

Juan de Anchieta (1462‐1523)

Domine Jesu Christe, a 4

Con amores, la mi madre, a 4

Juan del Enzina (1468‐1529)

Mi libertad en sosiego, a 4

Gasajémonos de huzía, a 4

Pedro de Escobar (1465‐1535)

Virgen bendita sin par, a 4

II. Josquin y la canción del Emperador

Josquin Desprez (c.1440‐1521)

Ave Maria, a 4

Tilman Susato (c.1510‐c.1570)

Pavana Mille Regretz, a 4

Josquin Desprez

Mille regretz, a 4

Cristóbal de Morales (1500‐1553)

“Kyrie” de la Misa “Mille regretz”, a 6

Innsbruck, ich muss dich Lassen, a 4

Pierre de la Rue (1452‐1518; atrib. a Josquin Desprez)

Absalon fili mi, a 4

Nicolas Gombert (c.1495‐c.1560)

III.      La capilla flamenca de Carlos V y su influencia

Heinrich Isaac (1450‐1517)

Dezidle al caballero, a 5

Cristóbal de Morales

“Agnus Dei” de la Misa “Dezidle al cavallero”, a 4

Nicolas Gombert

Ave regina caelor

Música coral religiosa de compositores masónicos

Parte I

. Greene

I will greatly rejoice

. Salieri

Missa Stylo a cappella:

Kyrie

Credo

Sanctus – Benedictus

Agnus Dei

. A. Mozart (atrib.)

Kyrie KV 90

Parte II

. Sibelius

En etsi valtaa

. Liszt

L’ Éternel est son nom

. Loewe

Salvum fac regem

. Mendelssohn

Seis sentencias op. 67:

Para adviento

Para la noche de Navidad

Para el día de año nuevo

Para el tiempo de pasión

Para el Viernes Santo

Para el día de la Ascensión

Ehre sei Gott

• Notas al programa

El programa que hemos seleccionado presenta obras religiosas de siete compositores cuya adscripción a la masonería es indiscutible. En principio, no existe relación alguna entre las piezas propuestas y la esencia masónica de sus autores, puesto que hemos querido ofrecer algunas muestras de sus composiciones sacras. No obstante, quien conoce bien el mundo de la francmasonería sabe perfectamente que un masón nunca se olvida de su condición aun cuando se encuentra realizando actividades meramente profesionales, pues su camino filosófico le impulsa a conseguir en cada momento la mejor versión de sí mismo.

Nuestra primera intención es pues dar a conocer la pertenencia a la Orden Masónica de una serie de personajes ilustres, pertenencia que en la mayoría de los casos supondrá una sorpresa para el espectador.

En segundo lugar, deseamos subrayar que el hecho de que un hombre profese los ideales masónicos no supone que dicho individuo sea anticlerical, ateo o irreligioso, o al menos que no existe una ecuación directa entre dichos ideales y el rechazo de los principios religiosos. Se trata de romper determinados tópicos, ofreciendo nombres de gran talla cuya espiritualidad religiosa no parecía estar reñida con sus deberes masónicos. Y para que la muestra fuera más significativa hemos seleccionado autores de distintas confesiones y círculos culturales, pudiendo distinguirse músicos del ámbito anglicano, protestante, católico y judío.

En la figura de Maurice Greene (1696-1755) tenemos a uno de los primeros integrantes de la masonería especulativa, y uno de los primeros músicos masónicos de los que tenemos constancia. Sus reuniones secretas se desarrollaban en espacios que se alquilaban en las tabernas londinenses ex profeso. Era hijo de un clérigo. Su carrera está llena de altos cargos musicales: comenzó como mozo de coro en la catedral de San Pablo, de la que llegó a ser el organista.

En 1710 se fundó en el ámbito masónico la Academia de Música Antigua, en la Taberna de La Corona y El Ancla, entre cuyos fundadores se encontraba el propio Green. En 1727 fue nombrado organista de la Chapel Royal, y en 1730 era profesor de música de la Universidad de Cambridge. En 1735 era el maestro de música del rey.

Su música religiosa sigue siendo tan apreciada que aún en la actualidad se usa en los servicios de la Iglesia Anglicana. Tal es el caso del anthem I will greatly rejoice que en este programa proponemos.

De algunos de los compositores de los aquí seleccionados, poco se conoce de sus vivencias masónicas, salvo que pertenecieron a sus listas, y que se relacionaron con otros ilustres masones, favoreciéndolos o buscándolos en momentos comprometidos. Tal es el caso de Antonio Salieri, de Carl Loewe o de Felix Mendelssohn, de quienes en este programa interpretaremos algunas de sus mejores obras para coro a cappella.

Sí sabemos, por ejemplo, que a su muerte (y al carecer de descendencia) Salieri legó sus pertenencias a dos instituciones vienesas que se las repartieron al cincuenta por ciento: la Sociedad de Amigos de la Música y una sociedad vinculada a la masonería.

También conocemos la circunstancia de que el propio padre de Mendelssohn fuera un ilustre y activo masón.

En general puede decirse que la música de las logias germanas, desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el primer tercio del siglo XIX, vivió un período esplendoroso en el que importantes filósofos y poetas colaboraron con grandes músicos: Fichte Herder, Moses Mendelssohn (padre del músico), Richter y Goethe, Heine y Rückert, todos ellos masones, contribuyeron notablemente, entre otras cosas, al desarrollo del lied alemán.

En el caso de Mozart, dicho autor fue iniciado en la Logia de la Beneficencia en Viena en 1784, cuando contaba veintisiete años, tres antes de constituirse la Gran Logia de Austria. La masonería austríaca se había desarrollado recientemente, favorecida por el emperador José II, que nunca fue iniciado, pero que simpatizaba con los masones por representar éstos un componente social independiente e insumiso al poder eclesiástico. La logia de Mozart era una filial de la logia La Verdadera Concordia. José II decretó la fusión y reducción a tres de las siete logias existentes, por lo que Mozart pasó a ser miembro de La Nueva Esperanza Coronada. Todos los datos conservados indican que Mozart fue un masón entusiasta y activo.

En lo que respecta a Franz Liszt (1811-1886), se inició en la Logia «Zur Einigkeit» (La Unión) en Frankfurt el 18 de septiembre de 1841, y recibió el segundo grado de compañero en presencia del futuro emperador Guillermo I, el 8 de febrero de 1842 en la Logia de San Juan de La Concordia, al Oriente de Berlín, donde cuatro días antes el carismático músico había sido nombrado miembro de honor, artista adorado, hermano y hombre querido. Su exaltación al Tercer Grado se produjo en 1870 en la Logia La Unión, al Oriente de Budapest.

Franz Liszt fue también miembro de honor de diversas logias, dando numerosos conciertos en muchas de ellas, o en sociedades musicales vinculadas a algunas otras. No obstante, a partir de 1848 cesó su ritmo de visitas a las mismas, pues su catolicismo viró hacia el misticismo, y en 1861, con un gran proyecto de renovación de la música sacra, se instaló en Roma, donde fue nombrado abad en 1865.

Esta época coincidió con el agravamiento del conflicto entre la Iglesia y la Francmasonería, bajo el pontificado de Pío IX. A principios de 1870, Liszt empezó nuevamente (aunque de manera discreta) a frecuentar las logias, dando en 1881 y 1882 diversos conciertos en San Petersburgo, organizados por la Logia La Discreción.

Jean Sibelius (1865-1957) está considerado el mayor compositor masónico después de Mozart, no sólo por su importancia dentro del mundo de la creación musical sino también por la atención que como compositor ha dedicado a la música destinada específicamente al ritual masónico. Sibelius fue maestro masón de la Logia Suomi nº 1 de Helsinki, además de organista de la Gran Logia de Finlandia.

El presente programa nace con vocación de ciclo anual, un ciclo que puede ir acompañado, si así se desea, de una o de varias charlas explicativas y complementarias.